Графика: От первых линий до шедевров!
Представить, чтобы человек, никогда не имевший отношения к скульптуре, вдруг стал творить произведения из глины или камня, сложно. Или чтобы кто-то, не глядевший на картину, решил написать маслом на холсте без знания техники. Однако графика — это тот вид художественного самовыражения, с которым знаком каждый, от детей до взрослых, и абсолютно неважно, имел ли он художественное образование. Для этого достаточно взять в руки карандаш и лист бумаги, чтобы создать уникальный рисунок.
Графика, что в переводе с греческого означает «пишу, черчу», — это весьма разнообразный жанр изобразительного искусства, включающий как рисунки, так и различные изображения, создаваемые с помощью печатных техник, среди которых гравюра. Изначально слово «графика» ассоциировалось исключительно с письмом и искусством каллиграфии. Однако к началу XX века понятие значительно расширилось и стало восприниматься как искусство, в основу которого положены линии, штрихи, пятна и контрастные сочетания черного и белого. Цвет также может быть использован, но основное внимание уделяется именно форме и объему.
Одной из характерных особенностей графики является её уникальное восприятие пространства. Здесь материал, на который наносится изображение, играет ключевую роль. В нашем исследовании мира графики основное внимание будет уделено станковой графике. В старинном понимании станком являлся мольберт, на котором художники устанавливали свои полотна для живописи. Графическим художникам мольберт не требуется, и название осталось лишь для обозначения графических произведений независимо от их направления: не плакат, не иллюстрация, а именно — станковая графика. Эти работы могут быть частью экспозиции, храниться в коллекциях или декорировать пространство ценителей искусства.
Графика может быть разделена на две основные категории: уникальная и печатная (эстамп). Уникальная графика охватывает такие техники, как обычный рисунок, акварель, гуашь и монотипия, создавая единственные и неповторимые произведения. Печатная графика, с другой стороны, позволяет изготавливать тиражи одинаковых художественных произведений, например, отпечатков с доски, пластины или линолеума. Каждый такой отпечаток уникален и создается с помощью определенных техник обработки, что и дает возможность получить эстетически ценные оттиски.
Что же необходимо для того, чтобы стать мастером графики, кроме природного таланта? Если для создания керамики используется глина, а в живописи — холст, то графика требует в первую очередь бумаги. Разнообразные материалы, такие как карандаш, уголь и акварель, позволят художнику оставить свои следы на бумаге и создать что-то совершенно уникальное.
Бумага
Происхождение бумаги уходит своими истоками в далекое прошлое. По легенде, она появилась в Китае более 2200 лет назад, и её тогдашний вид состоял из рыхлого древесного волокна, что делало её ломкой и непрочной. В Европе же первый экземпляр бумаги был создан в XI-XII веках на основе льняных тканей, и лишь с XIV века она начала использоваться для рисования. Это была толстая, шершавая листовка с желтоватым или коричневым оттенком. Позже людская изобретательность позволила добавлять небесно-голубую окраску, что сделало возможным более живое воспроизведение световых эффектов, таких как лунный свет. Однако именно с появлением белой бумаги художники получили возможность творить с карандашом, тушью и чернилами, и термин «графика» стал ассоциироваться с этими произведениями. В конце XIX века акварель и гуашь также вошли в семейство графических техник. Обычно работы графиков создаются на небольших листах.
Невероятно, но несмотря на кажущуюся простоту, бумага ранимый материал. Если её не беречь или если произведение уже утратило множество лет, на поверхности появляются темные пятна, как у сильно состарившегося человека. Примером может служить знаменитый "Автопортрет" Леонардо да Винчи, написанный в 1512 году и ныне хранящийся в королевской библиотеке Турина.
Перед художниками-графиками открыты горизонты не только белой бумаги, но и цветной. Она может выполнять роли фона и самостоятельно служить важным элементом работы, иногда подчеркивая тот внутренний смысл, который вложен в изображение.
Как заметил выдающийся французский скульптор и график Доминик Энгр, «рисунок — это высшая честность искусства». Он представляет собой ручное изображение, создаваемое с использованием графических средств — контурных линий, штрихов и пятен. При помощи различных комбинаций этих элементов достигается выразительная форма, тональные нюансы и светотеневые эффекты. Рисунок является стержнем графического языка, и обычно выполняется одним цветом, хотя может включать и различные оттенки. Эта форма искусства обширна в своих применениях: она может быть научной, прикладной или технической. Но художественный рисунок всегда занимает важное место среди всех видов изобразительных практик, служа основой для живописи, графики и рельефов.
Что касается линий, то они выступают в рисунке как след движущейся точки, приобретая выразительность и служа границей формы, её контуром. Эти линии задают организующую структуру и делают произведение завершенным.
В ярком и выразительном произведении Валентина Серова «Портрет Тамары Платоновны Карсавиной» основное внимание привлекает легкость и музыкальность линии. Эта линия, пронизанная чувственностью, формирует ясный и обобщённый контур. Ее виртуозность и лаконичность впечатляют: фигура знаменитой русской балерины, изображённая со спины, эффектно антропоморфна, а профильное изображение лица с изящной аккуратностью. Волосы, нарисованные живо и динамично, передают густоту и движение с ювелирной точностью, будто рука художника плавно скользит по бумаге. Легкая растушевка шеи и лица контрастирует с плавными линиями спины и рук, создавая ощущение мягкости и грациозности.
Штрих — это не просто линия, это проявление движения и эмоций, которое становится важнейшим средством выражения в графике. Для создания выразительных эффектов с помощью штриха художник может использовать разные материалы — от карандаша до угля. Мастера иногда заточивают инструменты под углом, чтобы добиться различных эффектов, показывающих текстуру и глубину. Так, Врубель в своем автопортрете комбинирует уголь и сангину, образуя сложную игру текстур: от прозрачной воздухопроницаемости до плотной и запутанной среды, напоминающей изысканное кружево. Эти короткие линии формируют образы, отображая их изменчивость и красоту в каждом штрихе.
Илья Ефимович Репин стал пионером среди русских мастеров, который осваивал новую технику — уголь на холсте. «Портрет Элеоноры Дузе» изначально мог служить подготовительным рисунком для живописной работы, но Репин избрал это направление для создания самостоятельного графического произведения. Его мастерство отображается в тонких переходах от черного к белому, а бархатистое сочетание оттенков и оставленный пустой холст придают особую выразительность. Каждый элемент здесь работает на создание уникального визуального эффекта.
Оригинальными для творчества становятся и природные пигменты. Например, сангина, которую изготавливают из вулканических пород, открывает перед художниками новые возможности. Это глинистое вещество, окрашенное окисью железа, может варьироваться от глубоких красно-коричневых до ярко-оранжевых оттенков. Сначала её применяли для подмалевков фресок, но с XIV века сангина стала неотъемлемым атрибутом графики. В Италии и Франции её используют как основное средство для создания выразительных рисунков, а среди тосканских художников встречаются прекрасные образцы таких работ.
Рисунки Рубенса поражают своей многогранностью: стремительность наброска соединена с мастерски проработанными формами. Здесь сангина служит условным цветом, который моделирует объём изящного животного, а оставленные белые блики добавляют блеска и жизни, подчеркивая упругость и грацию коня.
Карандаш
Наверное, нет более привычного инструмента для общения с бумагой, чем карандаш. Слово «кара» из тюркского языка переводится как «черный», а «таш» или «даш» – как «камень». Этот инструмент, представляющий собой палочку для письма или рисования, обычно покрывается прочной оболочкой. Главный компонент карандаша — грифель, который чаще всего помещен в деревянный корпус, но могут встречаться и пластиковые, и металлические версии. В зависимости от материала содержания различают графитные, свинцовые, цветные и итальянские карандаши, а также безоболочные версии, такие как сангина и уголь.
Свинцовый карандаш имеет давнюю историю, использовавшийся с древнейших времен и остающийся в ходу даже у современных художников. Это устройство, вставленное в металл, оставляет деликатный, но четкий след, что позволяет создавать тонкие и выразительные линии.
В эпоху Возрождения, начиная с XIV века, стал популярным итальянский карандаш. Первоначально он изготавливался из черного минерала с сероватым оттенком, известного как «черный мел». Позже его стали производить путем смешивания порошка обожженной кости с растительным клеем. Рисунки, выполненные этим карандашом, отличались насыщенностью линий и придавали глубокий объем, благодаря чему рисунок обладал явно ощутимой связью с окружающим пространством.
Итальянский карандаш идеально подходит для портретной живописи. Его мягкость позволяет выполнять штриховку с легкостью, а глубокий цвет усиливает выразительность изображения.
Этот инструмент виртуозно передает как жесткость мундира, так и мягкость волос на портрете генерала Е.И. Чаплицы, написанном Орестом Кипренским. Долгие штрихи создают динамику униформы, в то время как мелкие линии ловко моделируют лицо с задумчивыми глазами. Эта простота графических средств позволяет глубже исследовать сложные душевные состояния.
В Москве, на уицце Мясницкой, стоит здание, возведенное в конце XVIII века благодаря таланту архитектора Василия Баженова. В XIX веке здесь располагалось Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а с 1921 по 1926 год проходило обучение в ВХУТЕМАС — Высших художественных мастерских. На крыше этого здания был деревянный настил, с которого открывался прекрасный вид на Москву. Здесь художник Петр Митрич создал двойной портрет — своей супруги и родного города.
Решительность и невиданная энергия тонких линий, нарисованных графитом, становятся формами домов, деревьев и силуэта женщины. Карандаш постепенно теряет напряжение, мягко перенося оттенки на крыши, на улицу и на стену здания, у которой позирует Вера Хлебникова. Затем кисть снова оживает, надавливая на графит, чтобы создать выразительный штрих на её одежде, а затем – обрисовать густоту её тёмных волос. В этих рисунках глубоко читается гармония единства человека и окружающей его природы.
Свинцовый, серебряный, итальянский...
Все эти инструменты в основном используются профессиональными художниками, но у каждого "простого" человека есть свой собственный карандаш — обычный. Внутреннее наполнение этого карандаша — графит, кристаллический углерод, который соединен с разнообразными веществами. Это натуральное черное вещество некогда имело разные практические применения, оставаясь в тени художественной жизни. В конце XVI века его применяли в качестве вспомогательного средства. Тогда еще не было копировальной бумаги, и для переноса рисунка с одного листа на другой использовали графит, который наносили на обратную сторону. Сжав случайные штрихи, художник переносил изображение на новый лист.
Прошло два века, и в 1790 году во Франции Никола Жак Конте, смешивая графит с глиной, достиг удивительного результата — создал материал, который стал основой для карандашей разных твердостей. Он также начал обрамлять графитовые стержни деревом, что придавало им прочность и увеличивало удобство в работе.
Известный современный искусствовед Г.Г. Поспелов подметил о графическом подходе Бориса Григорьева: «… у Григорьева возник настоящий культ линии, которая контрастирует с широкой бархатистой текстурой плоского, растертого до однородности грифеля. Каждый из его рисунков представляет собой своеобразный парадокс, где также смешиваются явная небрежность и впечатляющая точность линий, которые обычно как бы мимоходом намечают контуры, а тем не менее хитро опустошающе охватывают их, вписываясь в поверхность листа.»
Пастель
Работа с карандашом, тушью или сангиной в первую очередь предполагает решение тональных задач. Однако цвет во всем его многообразии стремится опередить бумажный лист, и его охотно приветствует пастель. Она представляет собой цветной карандаш, созданный из порошка пигментов и клея, гуммиарабика, временами с добавлением меда и молока. Обычно пастель выглядит как небольшая цилиндрическая палочка. Леонардо да Винчи указывал, что пастель — это сухая живопись. Она была открыта во Франции в конце XV века. Искусство пастели основано на том, насколько крепкими, чистыми и мягкими бывают цвета, которые сохраняют свою первозданную свежесть.
Пастель может быть быстрой и динамичной, изображающей движения, но чаще от неё ждут иные свойства: медлительность и умение работать крупными штрихами, создавая обширные массы.
Илья Репин был настоящим мастером графики, и это подтверждает его ученик, впоследствии прославленный художник Исаак Бродский: «Палитра Репина блестела многообразием и насыщенностью, а его карандаш не только слушался, но и обладал огромным потенциалом, позволяя преодолевать все трудности, встречавшиеся на пути. Однако за этой кажущейся легкостью скрывалась многолетняя работа над собой, постоянные тренировки, доработки и серьезная школа, которую Репин прошел».
В великолепной пастели «Куст орешника» Виктора Борисова-Мусатова прослеживается удивительная игра пространств и воздуха. Художник достигает гармонии через изящную ритмичность, чередуя легкие и светлые тона.
Тушь, бистр, сепия и соус.
Древний Китай стал родиной для создания китайской туши, изготовленной из сажи, желатина и камфоры. На протяжении веков её использовали для работы с пером и растушки. В Европе же чуть позже начали производить тушь из чернильного орешка, несмотря на некоторые негативные аспекты, такие как склонность к желтению со временем, что могло ухудшить качество бумаги. Цветные варианты туши также существуют; одна из них, темно-коричневая, носит имя бистр.
В серии иллюстраций Федора Толстого к поэме Богдановича акцент делается на линии, которых хватает для создания точного, выразительного прерыва. Мастер явно вдохновлялся греческой вазописью и античным орнаментом, что стало для него значимой отправной точкой в создании декоративных контурных изображений.
Легкие, игривые, порой даже ироничные работы Владимира Милашевского, запечатлевшие целую эпоху, становятся особым отражением времени, которого уже не существует. Друг художника и сам хороший график Николай Кузьмин высоко оценил его метод работы: «Дело не в инструменте, а в подходе. Когда ты рисуешь углем, например, всегда есть возможность исправить ошибку, просто смахнув её тряпочкой. Подобно карандашу — имеется надежда на ластик. Но когда ты работаешь с тушью или спичкой, требуется вся концентрация и высокий уровень намеренности; здесь важны мгновения, когда ты действуешь без раздумий, как маленький ребенок или как Рембрандт. Пусть живет спичка!»
В девятнадцатом веке на горизонте графики возникли металлические перья, позволяющие проводить тонкие и четкие линии. Работать с тушью сегодня можно не только с помощью перьев, но и кистей. К тому же тушь бывает разного цвета – черной или коричневой. Люди также научились использовать особую жидкость, которую выделяет каракатица в момент опасности. Разведенная с обновленной водой, она предлагает оттенки от темного коричневого до светло-палевого – именно эта жидкость называется «сепия». С XIX века сепию начали производить через химические процессы.
Линейные черты, созданные из тонко перемолотых материалов в сочетании с растительным клеем, приводят к возникновению соуса — уникального графического материала. Его история насчитывает более двух веков, и он стал известен в конце XVIII — начале XIX века. Соус, обладая глубиной тона и приятной бархатистостью, выделяется благодаря широкому диапазону тональных возможностей, что делает его весьма привлекательным для художников.
Соус можно применять как в сухом, так и в мокром виде. При использовании сухого метода палочку соуса растирают о шероховатую поверхность бумаги, а получившуюся пыльцу наносят на предварительно выполненный карандашный набросок с помощью растушки — плотно свернутого материала. В большинстве случаев художники предпочитают работать мокрым соусом, разводя его с водой. Эта техника позволяет комбинировать соус с другими материалами, создавая уникальные эффекты.
Существует интересная история о том, как в 1757 году французский финансист Этьен де Силуэтт, будучи на посту генерального контролера финансов, проявил свои художественные наклонности. Экономя на интерьере своего замка, он начал украшать стены силуэтами гостей, обводя их контуры, а затем закрашивая черной краской. Так и появился стиль «силуэт», который стал символом утонченного минимализма.
В графике Елизаветы Кругликовой заметно острота и ирония в изображении сценок, таких как та, где Алексей Толстой наблюдает за дамой в белом на фоне кафе. Работы отражают не только внешний вид персонажей, но и их внутреннее состояние, каждый штрих передает атмосферу времени и места. Это изумительное переплетение графики и текстовой иронии создает непередаваемую связь между искусством и литературой.
Говоря о цвете, нельзя не упомянуть акварель, которая принимает своеобразное существование благодаря взаимодействию воды с пигментами. Эта техника подразумевает использование растираемого красящего порошка в сочетании с клеящими веществами, которые иногда смеси придают сладкие добавки в виде меда или сахара для смягчения цвета. Акварель бывает различной текстуры: твердые плитки, полумягкие в керамических емкостях и мягкие тюбиковые формы.
Акварель
Многие художники утверждают, что наличие цвета в акварели делает произведение живописью. Однако графическое начало станет явным в тех случаях, когда цвет аккуратно ложится на бумагу, создавая прозрачно легкие слои. Это подчеркивает жизненность и свежесть акварельного искусства.
Виктор Борисов-Мусатов, как преданный поклонник искусства, с мечтой о создании декоративных панно, вписывается в стиль своего времени — «модерн». В этом движении все элементы должны гармонично переплетаться, подчиняясь философии искусства и жизни. Хотя его замыслы о панно не реализовались, наследие его творчества продолжает влиять на новые поколения художников, вдохновляя их на поиски оригинальных графических решений.
Действительно, акварельные зарисовки могут погружать в мир волшебства, сопоставляя живопись с музыкальными мелодиями. Художник терзается вопросом о том, как линии и цветовые массы соотносятся друг с другом, как ритмы ведут к мелодическим мотивам произведения. Чувство печали и меланхолии наполняет композицию «Сон божества», где нежный, воздушный налет акварели, обрамленный белыми паузами бумаги, идеально подходит для передачи глубокой смысловой нагрузки.
Интересно отметить, что черную акварель, полученную из ламповой копоти, можно считать настоящей находкой для художника. Она обладает богатой палитрой тональных переходов, создавая на поверхности листа прозрачное и вибрирующее ощущение. При внимательном рассмотрении видно, как ритмика и гармония плавных линий, переходящих в мягкие теневые пятна, перекликаются с размеренной мелодикой стихотворной речи.
Акварель можно использовать экономно, слегка стряхивая воду с кисточки, что позволяет создавать живопись «по-сухому». Альтернативный подход предполагает воссоздание ярких красок на увлажненной бумаге, придавая живописи динамичность и широту.
Подобно акварели, гуашь, переводимая как «водяная краска», возникла как преемница своей предшественницы. Специально для увеличения плотности красочного слоя в эту краску начали добавлять белила. Гуашь состоит из тонко размолотых пигментов и водного клеевого связующего, добавляя пшеничный крахмал. Это искусство использовали с древних времен в Европе и Азии для создания миниатюр, а в эпоху Ренессанса она стала привычным элементом для эскизов и портретов. Наиболее заметные достижения в технике гуаши пришлись на конец XIX — начало XX века, хотя ее примеры можно встретить и в более ранних работах.
Монотипия, в свою очередь, представляет собой уникальное произведение, создаваемое в единственном экземпляре. Процесс получения этой работы включает в себя нанесение краски на гладкую металлическую поверхность, а затем отпечаток, получаемый под давлением на специальных станках. Монотипия отличается выразительностью цветовых сочетаний, зачастую приближаясь к акварельной технике. Также она может сочетаться с другими графическими методами, такими как офорт.
Мастерица Елизавета Кругликова, всегда стремящаяся к новизне, использовала матовые поверхности масляных красок и экспериментировала с цветами и фактурами бумаги. Её волнение из-за начала Первой мировой войны незаметно отразилось в нервозной ритмике танца, где вертикали фигур с «бегущими» гирляндами создают ощущение тревоги. Нежные голубые и перламутровые оттенки придают произведению ирреальную атмосферу.