Тенденции искусства Latinx в 2024 году: Признание и новые горизонты

В этом году продолжился рост видимости искусства Latinx в США и за пределами страны. Как и в предыдущие годы, наблюдался рост в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, однако в этом году произошли новые события в других городах США с крупными Latinx сообществами, таких как Бостон, Даллас и Филадельфия. И это далеко не единственные места, где проходили выставки искусства Latinx. Венеция, Италия; Палм-Спрингс, Калифорния; и Баффало, Нью-Йорк, также стали местами для демонстрации творчества Latinx художников.

Основная часть представления художников Latinx в этом году пришлась на поддержку институтов, как в музеях, так и на биеннале, где Latinx художники получили возможность экспериментировать в своей практике и развивать ее. Важным изменением на рынке стало то, что одна из известных галерей предоставила крупную выставку группе художников Latinx. Хотя еще предстоит проделать много работы, чтобы обеспечить художникам Latinx их заслуженные места в каноне художественной истории, 2024 год стал еще одной вехой на этом пути.

Вот некоторые моменты, которые мне запомнились в области искусства Latinx в 2024 году. Художники Latinx приняли участие в нескольких групповых выставках музеев, а также в индивидуальных выставках, что показало, что учреждения по всей стране все больше принимают работы художников Latinx. Трио художников с середины карьеры провели успешные выставки в этом году. Институт современного искусства в Бостоне организовал впечатляющую выставку для Firelei Báez, в которой охватывается широта ее практики — от завораживающих картин до погружающих инсталляций.

В Dallas ContemporaryPatrick Martinez представил недавние работы, а также те, которые были созданы специально для выставки, такие как его семичастный городской пейзаж Fleeting Bougainvillea Landscape, который поднимает его уникальное использование материалов — комбинацию неоновых огней, штукатурки и акриловой краски, представляющих утомленную атмосферу Лос-Анджелеса. В Центральном паркеEdra Soto установила одну из своих известных скульптур “Graft” в рамках комиссии Public Art Fund; выставка, которая продлится до августа 2025 года, уже активирована важными мероприятиями, такими как два эпизода Domino Table Talks, игривой встречи, которая является частью инициативы “Historias” Центра Clemente.

Далее, Ryan Preciado, один из выдающихся художников последней версии биеннале Hammer MuseumMade in L.A., предложил трогательный портрет Manuel Sandoval, почти забытого нигерийского американского плотника 20 века, который создал несколько комплектов мебели для таких знаковых архитекторов, как Frank Lloyd Wright и R.M. Schindler. В трогательной дань уважения Preciado воссоздал несколько утраченных дизайнов Sandoval и объединил свои работы с его собственными, стирая границы авторства, а также границы между изобразительным искусством и дизайном.

Но noé olivas, соучредитель Crenshaw Dairy Mart, провел мощную индивидуальную выставку в независимом пространстве искусства. Называемая “Gilded Dreams”, выставка исследовала вопросы труда, касающиеся мексиканско-американских сообществ, находящихся с этой стороны границы — полные опасностей пути, приводящих сюда, и сломанных обещаний так называемой Американской мечты, которая никогда не кажется такой, какой ты ее себе представлял.

Выделяются три тематические выставки в музеях, в которых художники Latinx стали главными действующими лицами. Первая, “On the Edge” в Laguna Art Museum, представила коллекцию Joan Agajanian Quinn и ее покойного мужа Jack Quinn. Quinn явились центробежной силой сена искусства Лос-Анджелеса на протяжении десятилетий, их дома в Beverly Hills служили салоны, где проводили вечера такие как Warhol, Hockney, Ruscha и многие другие. Quinn также были крупными коллекционерами работ художников-цветных, в эпоху, когда большинства коллекционеров с запада даже не задумывались об этом. Среди их коллекций можно отметить Carlos Almaraz, Elsa Flores Almaraz, Joey Terrill, John Valadez, и Yolanda Gonzalez, который создал новый портрет Joan в галереях музея.

Отдавая их работы почетное место на выставке, музей и Quinn показывают, насколько важными были и остаются художники Latinx для искусства Лос-Анджелеса. В противовес этому, “Где я научился смотреть: Искусство со двора” в ICA Philadelphia, куратор Josh T. Franco, берет два из основных эстетических анализов искусства Chicanx — rasquachismo и domesticana, и помещает их в более широкий контекст дворового искусства. Для меня это естественное развитие и отражает более широкое принятие искусства Latinx. Хотя внимание здесь не на художниках Latinx, выставка основывается на опыте Franco как художника Chicano и историка искусства из Западного Техаса. В открывающем тексте стены, Franco пишет, что дворовое искусство его покойного деда, Hipolito “Polé” Hernandez, было “неожиданной тренировочной базой для моих первых упражнений по внимательному наблюдению. ... Двор моего деда — это место, где я научился смотреть”.

Franco открывает выставку одной из своих работ в смешанной технике, которая включает ролик, представляющий концепции rasquachismo и domesticana. Перед видео стоит воссозданный дворовой алтарь семьи Sanchez — соседей Donald Judd в Marfa, Texas. В других местах выставки мы видим работы Hernandez, небольшую картину двора от недостаточно известного художника ChicanoJose Esquivel и видеоработу Rubén Ortiz Torres, рекламой в форме видео о улучшенной газонокосилке рядом с работами Beverly Buchanan, John Outterbridge и Noah Purifoy.

Большая осенняя выставка в Museum of Contemporary Art Los Angeles посвящена фотореалистическому движению. Вместо того чтобы предложить ожидаемую выставку на популярный, поздний XX век -изм, куратор Anna Katz перевернула движение с ног на голову. Его самые известные сторонники, такие как Robert Bechtle, Vija Celmins, Duane Hanson, и Chuck Close, присутствуют, но кураторы предложили более широкий выбор. Katz ставит на вид таких художников, как Jesse Treviño, John Valadez, Shizu Saldamando, Sayre Gomez, и Vincent Valdez, которые ранее не были так близко связаны с этим движением. Это острое кураторское исследование поддерживается отличной работой.

На текущей версии Frieze LA выставка Jeffrey Deitch, “На грани солнца”, предоставила его LA пространство 12 художникам Latinx, включая rafa esparza, Guadalupe Rosales, Mario Ayala, и Shizu Saldamando. Учитывая возможность художественных процедур, Deitch позволил этой группе наблюдательных художников представить свое искусство на собственных условиях. (Эта выставка выиграла приз за “Лучшую группую выставку галереи” на первых ARTnews Awards, в жюри которых я сидел.) В момент, когда институт Latinx получил возрастающую поддержку за последние несколько лет, выставка Deitch предоставляет необходимый следующий шаг к получению поддержки от рынка для художников Latinx, что было важным отсутствующим элементом.

Одна из молодых художниц, представленных в “На грани солнца”, Karla Ekaterine Canseco, имела параллельную индивидуальную выставку в Murmurs. Я не могу выкинуть из головы выставку с черными скульптурами, сделанными из различных найденных предметов, которые заполнили галерею; многие из них кажутся собачьими и одновременно очаровательными и зловещими. Одна из скульптур изображает безголовое, гуманоидное существо в бассейне густого черного моторного масла. Мне интересно, куда будет развиваться ее карьера.

В Лос-Анджелесе и Нью-Йорке за последние несколько лет выбрана серия галерей приняла художников Latinx. David Kordansky начал представлять Raul Guerrero в 2021 году, организовав в том году индивидуальную выставку для художника в Лос-Анджелесе, и в этом году галерея провела первую индивидуальную выставку для художника в Нью-Йорке (это была его первая индивидуальная в Нью-Йорке с 2018 года). Продолжая его многолетние юмористические исследования истории Америк, эта серия рисунков изучала начало испанской завоевательной экспансии на континенте. В P.P.O.W, Jay Lynn Gomez также провела свою первую индивидуальную выставку в Нью-Йорке с 2018 года, представляя сильную серию работ, которые документируют ее переход и процесс того, как ориентироваться в мире через призму Jay Lynn.

Эти два выставки этого года также раскрыл новые стороны творчества художников, оба исследования с использованием земли: Gisela Colón (в Efraín López) и Frank Romero (в Ruiz-Healy Art). Colón известна своими тщательно созданными и полированными скульптурами, которые являются изучениями света и цвета, в то время как Romero наиболее известен как один из основателей Chicano коллектива Los Four и динамичных живописных работ автомобилей. Работы Romero с землей, “Adobe Series”, датируются 1995 годом, в то время как у Colón это недавний поворот для художника. Но сила этих двух выставок заключается в умном решении галерей предоставить художникам пространство для выделения художественных изысканий, которые иногда могут не быть популярными среди коллекционеров, которые часто предпочитают покупать работы, за которые художники наиболее известны.

Наконец, одной из самых значимых выставок года стала выставка Joey Terrill в Marc Selwyn Fine Art в Beverly Hills. Выставка презентовала несколько работ “Still Life”, которые он начал создавать в 1997 году, в год, когда он впервые стал недоступным из-за своего антиретровирусного лечения. Эти работы стали своего рода временной линией того, как развивалось лечение ВИЧ за это время, с многими методами, упрощенными до одной ежедневной таблетки. Самая проницательная из новых работ была 50 Christs (2023), крупномасштабное, напоминающее Warhol изображение сцены, показывающее Христа в момент его похорон. Terrill выбрал число 50, потому что он сказал, что перестал считать число друзей, которых он потерял из-за СПИДа, когда toll достиг 50 в какой-то момент в 80-х годах. Множество смертей, окружавших его, становились слишком подавляющими. На правой стороне работы он нарисовал толстую полосу черного цвета, чтобы представить неизвестное общее количество людей, которых он знал и которые погибли.

Последняя редакция Getty Foundation PST ART (прежнее название Pacific Standard Time), в 2017 году, называлась “LA/LA”, с фокусом на связи Лос-Анджелеса с Латинской Америкой. Несколько выставок в рамках этой обширной инициативы рассмотрели художников Latinx города; для многих, включая меня, это были лучшие моменты этой редакции PST. PST, открывшаяся в этом году по всему Южному Калифорнийскому побережью в 60 различных местах в сентябре, исследует связи между искусством и наукой. Хотя художники Latinx охватывали программу, немногие ключевые институциональные выставки сосредотачивались на том, как базирующиеся в США художники Latinx подходят к различным аспектам науки в своей практике. Именно это сделало выставку “Sinks: Places We Call Home” особенно замечательной.

Из дюжины выставок, в которых я побывал, эта была самой сильной в подходе к принятию науки как способа не только создавать мощное искусство, но и пытаться добиться изменений. Организованная Self-Help Graphics, центром Chicanx и Latinx творческого производства в Лос-Анджелесе, и представленная в Luckman Gallery в Cal State LA, выставка сосредоточилась на том, как два художника из Лос-Анджелеса, Beatriz Jaramillo и Maru García, использовали свое искусство для привлечения внимания к котлованам, “или местам, где может концентрироваться загрязнение.”

Jaramillo показывает девять экранных печатных произведений из прозрачной ткани, которые были окрашены смолой из La Brea Tar Pits; смола пересекла начальные границы, замутняя четкие границы карт, подобно тому, как это делает загрязнение. Скульптуры García, похожие на тотемы, Boiling Rock 3 (2024), визуально представляют “метод лазаньи” для захвата загрязняющих веществ в почве. Одна скульптура обрушилась во время выставки, мощная метафора хрупкости нашей земли.

Одной из самых высокопрофильных выставок в PST, “Storm Cloud: Picturing the Origins of Our Climate Crisis”, также убедительно рассказывает о том, как наука и искусство не всегда казались такими далекими, как сегодня, когда программы STEM занимают центральное место в системе образования США за счет искусств и гуманитарных наук. Смотрит на ученых-художников и художников-научных работников с конца 18 века до начала 20 века, выставка рассматривает, как эти создатели документировали изменения, как прогресса, так и загрязнения, которые они наблюдали в стремительно индустриализирующемся мире. Но кураторы выставки, Melinda McCurdy и Karla Nielsen, также умно привнесли выставку в 21 век, чтобы продемонстрировать, как художники продолжают реагировать на текущий климатический кризис. Среди них Rebeca Méndez, чья работа Any-Instant-Whatever (2020) демонстрирует полосы изображения неба Лос-Анджелеса от рассвета до заката. Эти десятки полос создают полуабстрактный портрет неба, глубоко-синих и туманных серых тонов, контрастирующих с яркими оранжевыми и мечтательными пурпурными.

В Fowler MuseumUCLA, “Sangre de Nopal/Blood of the Nopal” представляет работы запотека, художника Porfirio Gutiérrez и художницы ChicanaTanya Aguiñiga в диалоге друг с другом. Оба художника использовали кохиналь как краситель в своих работах, чтобы обсудить реалии, с которыми сталкиваются коренные народы в Мексике, сегодня и живущие вдоль границы между США и Мексикой.

Выставка призывает посетителей участвовать в создании общественного ткачества, связывая, плетя или завязывая ткань на нескольких висящих скульптурах, которые сами служат передатчиками знаний для тех, кто пришел увидеть эту трогательную выставку. Для выставки два художника совместно создали работу, откликающуюся на коренную текстильную коллекцию в Fowler; среди вопросов: “Как наши взаимодействия через границу меняют нас и нашу историю? Что теряется и что передается из поколения в поколение? Как мы можем поддерживать связи через время и пространство? Как мы учимся и делимся друг с другом?”

Художники Latinx также стали участниками некоторых из самых значимых постоянных выставок этого года. На Венецианской биеннале куратор Adriano Pedrosa включил двух из этих художников — Freddy Rodriguez и Fanny Sanín — в свою историческую секцию, посвященную абстракции. Хотя родом они из Доминиканской Республики и Колумбии соответственно, Rodriguez, который ушел из жизни в 2022 году, и Sanín, которой исполнился 86 лет в этом году, провели большую часть своей карьеры в Нью-Йорке, где продуктивно создавали свои произведения.

Хотя заливное оформление секции абстракции затрудняло оценку подхода каждого отдельного художника к этому жанру, я тем не менее был привлечен к произведениям обоих художников. Несмотря на то, что я давно уважал работы Rodriguez, искусство Sanín было для меня совершенно новым. Учитывая, что их работы были возведены до уровня Венецианской биеннале, высшей биеннале в мире, и помещены рядом с десятками других художников, которые также были недооценены, это было не чем иным, как восторгом. То, что остается для этих двух художников, это чтобы тот или иной музей провел ретроспективу их работы; ни один из художников еще не получил такую возможность.

В Венеции все обсуждали инсталляцию Pablo DelanoThe Museum of the Old Colony (2024). Часть продолжающегося десятилетнего расследования, Delano подает то, что может быть прочитано как осуждение продолжающейся колонизации Пуэрто-Рико через американский империализм. Работа выполняется в форме антропологического диорамы и иронично подрывает его с помощью сбора собранных предметов — фотографий жизни под колонизацией, классной парты, куклы с белой кожей Puerto Rican Barbie (сниженной цены с $24.99 до $12.99), банки с надписью “Little White Lies” и многого другого.

Многие из этих объектов и изображений не так уж стары. ColonizationPuerto Rico не является чем-то устаревшим, как кажется сказать Delano с помощью этих объектов. Почему мы продолжаем это так воспринимать? Он не предоставляет легкого ответа, а заставляет зрителей разбираться с их мнением о продолжающейся колонизации Puerto Rico и неоколониализме, который продолжается повсюду в мире сегодня. Это и есть сила этой работы.

Также на Whitney Biennial скульптура Eddie Rodolf Aparicio высотой в янтарном свете стала предметом разговора. Работа продолжает использование amber как материала, который может заключать и сохранять набор объектов или забот (в Whitney, документы, относящиеся к активистам Лос-Анджелеса по поводу гражданской войны в Эль-Сальвадоре) и как вещество, также хрупкое. То, что работа, подверженная интенсивному солнечному свету, поступающему с окон от пола до потолка, обрушилась в начале показа на биеннале только подтверждает эту идею. В других зонах выставки находятся впечатляющие работы ektor Garcia, Eamon Ore-Giron, и Ser Serpas.

Serpas и Aparicio также присутствовали в двух триенналях в этом году. На триеннале El Museo del Barrio“La Trienal 2024”, Serpas представила погружающие инсталляции, призывающие элементы ее студии в галерейное пространство, остатки частных выступлений с найденными объектами и картинами, которые происходят еще до отправки в музей. В то время как на Whitney работы Serpas были ограждены, зрителей настоятельно призывали пройтись по инсталляции в El Museo.

Музейная забота о сохранении художественного объекта отходит в сторону в El Museo, где посетители могут организовать свои полуприватные выступления в диалоге с работами Serpas.

На Prospect.6 в Нью-Орлеане, Aparicio представил совершенно другую сторону своей работы, мягкие скульптуры из различных текстилей, которые напоминают линии электропередач, протянувшиеся по родному городу художника Лос-Анджелесу.

Интересно было наблюдать обе эти работы как контраргументы к их представленным на Whitney Biennial выставкам. Тему этого года La Trienal прозвали “Состояния потока”, как способ размышления о творческом процессе (состояние потока) и обмене — экономическом, политическом, художественном — между различными частями мира, от США до Латинской Америки, с Карибами до Филиппинами.

В одном проекте Studio Lenca представило серию небольших картин, созданных на мастерских в Мехико и Бруклине с участниками, изображающими свои истории миграции. Подобный обмен также присутствует на Prospect.6 в работе rafa esparza, адобная работа о рисунке Mexica FalconDewey Trafoya. Эти различные формы художественного обмена являются тем, что удается успешным -енналям, предоставляя платформы для художников, чтобы экспериментировать новыми способами.

Надеюсь на большее в 2025 году. Рассматривая определенный год в обзоре, я склонен считать выставки художников ретроспективами лучшим местом для начала. Но я завершу на этом. Самая высокопрофильная из них — “Marisol: A Retrospective”, которая наконец открылась в своем организующем учреждении — Buffalo AKG Art Museum. Открытие в Баффало стало определенным возвращением домой, поскольку Marisol завещала свое состояние музею после своей смерти в 2016 году. В годы после передачи Buffalo AKG должен был потратить много времени на каталогизирование того, что оставила Marisol. Хотя работа все еще продолжается, плоды трудов музея очевидны в “Ретроспективе”, куратором которой выступила Cathleen Chaffee, в том, как она проходит по карьере Marisol.

(Выставка и эти усилия также делают интересный ответ на недавнюю статью New York Times о том, как Museum of Modern Art фактически не сделал ничего для продвижения наследия Scott Burton, который так же оставил свое состояние музею после ухода из жизни от осложнений, связанных с СПИДом, в 1989 году.)

Marisol наиболее известна своими острыми и часто юмористически ироничными скульптурами 1960-х годов, которые стали результатом двух выставок в Stable Gallery. (Музей Buffalo AKG приобрел одну работу с каждой из этих выставок.) Галерея, посвященная этому ключевому периоду производства, является центральным элементом выставки — и это настоящая находка.

К этому также добавляются ее увлекательные деревянные скульптуры десятилетия спустя, которые объединяют мужчину и рыбу. После того, как она во второй раз покинула мир искусства в 70-х, Marisol начала заниматься подводным плаванием, захватывая часы подводной съемки океанов. В то время она поняла, что человек и рыбы нуждаются друг в друге; наше уничтожение океанов было только во вред обоим. (В конце концов, Marisol прекратит нырять, когда заметит гибель коралловых рифов, которые когда-то были полны жизни.)

В целом, эти работы так же свежи, как и десятилетия назад, с острым кураторским анализом, который показывает, насколько политично и проницательно искусство Marisol — и всегда было. Baby Boy (1962–63), например, не просто чудовищный (как по размеру, так и по поведению) младенец, держащий куклу. При ближайшем рассмотрении, рубашка мальчика — это флаг США; он — Америка — мучитель тех, кто значительно меньше его, как когда-то сказала Marisol. Этот политический край всегда присутствовал в работе, хотя часто игнорировался в пользу знаменитостей Marisol. К счастью, это больше не так.

Другой художник, который наконец получает заслуженное внимание — это Magdalena Suarez Frimkess, которая получила свою первую музейную выставку в Los Angeles County Museum of Art. Хотя выставка формально не называется ретроспективой или исследованием, шоу, озаглавленное “The Finest Disregard”, собрала работы, охватывающие пять десятилетий карьеры 95-летней художницы. Работы Suarez Frimkess намеренно избегают понятий хорошего вкуса с определенной причудой, что делает их притягательными.

Инсталляция выставки с несколькими работами в мини-витринах была интригующим способом показать много ее работ, учитывая, что выставка получила лишь одну комнату. Я только жалею, что работ было недостаточно. The Cheech в Riverside посвятил свою временную ярмарку программированию в этом году двум ретроспективам передовых художниц Chicana: Judithe Hernández и Yolanda M. López.

Обе выставки отслеживают важные моменты карьер этих художниц. Для Hernández видно, как ее стремление работать в интимном масштабе пастелью на бумаге стало только глубже. На двух выставках для López мы видим ее дипломные работы, благодаря которым она стала единственным студентом-цветным, который свободно бегал по кампусу UC San Diego, ломая институциональные барьеры. Это будет в итоге привести ее к мощной феминистской критике, ее ныне знаковым художественным переосмыслением Virgin de Guadalupe. Guadalupe Triptych (1978) показывает ее бабушку, мать и художницу, которые берут в свои руки свое предназначение; они являются создателями своей судьбы.

Однако новой сопроводительной выставке, “Women's Work is Never Done”, куратор Rio Yañez, сын López, и ее архивистка Angelica Rodriguez, стали места, где я заплакал. На этой выставке мы видим те борьбу, с которой сталкивается López, как художница и как единственная мать. Она работала на стойке подарков в Macy's, продавала продукты May Kay и была лидером Bay Area для переписи 2000 года; в середине 90-х у нее произошел разрыв аневризмы, который заставил ее на несколько лет прерваться в творчестве. Но ее художественное мастерство никогда не ослабевало, о чем свидетельствуют ее мощные смешанные медиа, высококачественные произведения искусства, такие как Things I Never Told My Son About Being a Mexican (1985) и The Nanny (1994). López был диагностирован с раком печени около 2014 года, и это в конечном итоге унесло ее жизнь в 2021 году. В письме к выбранным друзьям и семье, датированном примерно за месяц до её смерти, она выражает благодарность тем, кого встретила и кто вдохновил ее работу. И, как напоминает она нам: “Мы пришли в этот мир, чтобы сделать его лучше. Продолжайте бороться и веселитесь. ДЕЛАЙТЕ ШУМ!”