Фрэнк Ауэрбах (1931–2024)

Немецко-британский художник Фрэнк Ауэрбах, известный своими густо наложенными красками портретами, фигурами и пейзажами, которые одновременно блестяще откровенны и мрачно непроницаемы, скончался в Лондоне 11 ноября. Ему было девяносто три года. С юных лет, одержимый желанием рисовать, Ауэрбах изображал крошечный мир – тот, что находился за дверями его студии в Кэмден Таун, с яркой повторяемостью. Он придерживался суровой трудовой этики, рисуя семь дней и пять ночей в неделю, и всего лишь один день в году проводил на отдыхе, обычно в прибрежном городе Брайтоне. В составе Лондонской школы, наряду с Леоном Коссоффом, Люсьеном Фрейдом и Фрэнсисом Бэконом, он оказал влияние на современных художников, включая Сесилию Браун, Тома Филипса и Дженни Сэвил. «Все, что я заканчиваю, всегда является неожиданностью, это не то, что я задумывал или на что надеялся», - сказал он в интервью газете The Financial Times ранее в этом году. «Это когда ты исчерпал все осознанные вещи, и что-то берет над этим верх, и ты делаешь что-то, что может стоять за себя.»

Фрэнк Ауэрбах родился 29 апреля 1931 года в Берлине в еврейской семье, когда нацистский режим усиливал свои позиции в Германии. В 1939 году его отец, адвокат по патентам, и мать, бывшая студентка художественной академии, отправили его в Англию, а сами остались, погибли в Освенциме в 1942 году. К тому времени, когда он узнал о их смерти, «я более-менее забыл их», - рассказал художник газете The Guardian в 2001 году. Ауэрбах учился в частной школе Банс Корт в Кенте, где проявил свою предрасположенность к искусству и драме. В семнадцать лет он получил небольшую роль в пьесе Питера Юстинова «Дом сожалений» в Театре Единства в Лондоне, но вскоре полностью сосредоточился на искусстве, учясь в Художественной школе Святого Мартина с 1948 по 1952 год и в Королевском колледже искусства (RCA) с 1952 по 1955 год. Ключевыми для его развития были учебные занятия, проведенные вместе с Коссоффом, с вортицистом Дэвидом Бомбергом, на чьи занятия в Лондонском политехническом институте он ходил с 1947 по 1953 год.

После окончания RCA Ауэрбах...Он сначала зарабатывал на жизнь, преподавая в средних школах, а затем в колледжах, в конечном итоге оказавшись в Камберуэлльской школе искусств, где преподавал один день в неделю с середины 60-х годов. Его первая персональная выставка прошла в 1956 году в Лондонской галерее Beaux Arts, где он регулярно выставлялся до 1965 года, когда переключился на галерею Marlborough, выставляясь в ее лондонских и нью-йоркских филиалах до следующего тысячелетия. Его ранние работы и более поздние картины изображали тех же людей и места, которые его завораживали на протяжении более шестидесяти лет: небольшой круг любителей и друзей и пейзажи, которые они могли встретить между станцией метро Mornington Crescent и его студией. Главными темами творчества Аuerbach были его гораздо более старая кузина Герда Бём, которая поддерживала его в его первые послепостеджные дни; его жена, Джулия Уолстенхолм, сокурсница в RCA; сын пары, Якоб; профессиональная модель Джулия Ярдли Миллс; Эстелла Олив Уэст, вдова-актриса почти вдвое его возраста, с которой у него было не одно романтическое увлечение; и его хороший друг Кослофф. Многие его картины 1950-х и начала 60-х годов были бурно темными, тяжело нагруженными смятыми слоями краски, такими глухими, что их было трудно повесить. Критики были разделены во мнениях. «Эти картины раскрывают качества, которые делают художника великим — бесстрашие; глубокую оригинальность; полное погружение в то, что его одержимо; и, прежде всего, определенную авторитарность и серьезность в его формах и цветах», — провозгласил Дэвид Сильвестр в рецензии на первую персональную выставку Аuerbach. «Техника настолько фантастически навязчивая», — написал критик из Manchester Guardian, реагируя на ту же выставку, «что проходит некоторое время, прежде чем можно понять намерения, которые должны оправдать этот гротескный метод». Метод Аuerbach на самом деле был несколько необычным и intensely личным. Поскольку он был так близок к своим моделям — чьи формы в его законченных работах могли быть даже не узнаны как человеческие — он был движим стремлением правильно запечатлеть их портреты.часто обходя своих подданных и бормоча восклицания. Если его не устраивала работа за день, он очищал любой субстрат, с которым работал — предпочтительно это была доска — к приходу вечера, только для того, чтобы снова накладывать толстые капли краски на следующее утро. Непостоянный процесс отражен в измученных поверхностях произведений, например, в удивительно тактильном "Голове Е.О.В.", 1955 года, которую, как утверждают, понадобилось создать более трехсот сеансов. Мутные глубины ранних работ, таких как "Обнаженная Е.О.В.", 1953–54 годов, и "Строительная площадка возле собора Святого Павла. Зима", 1955 года, были не только выражением психологической тревоги и разрушений войны, но и результатом более практической проблемы: приглушенные оттенки краски были дешевле, чем их более яркие аналоги на основе кадмия и хрома. Аuerbach боролся с тем, чтобы уйти от значений, которые другие придавали его цветовым выборам и стилю, почти сразу после его первой сольной выставки. "Я как-то почувствовал, что то, что было личным, стало общественным", — сказал он газете "Гардиан". "Я оделся в форму: вот я, этот парень, который сделал эти толстые картины в земляных цветах". По мере роста его известности и выхода его финансовых дел из убытков в прибыль, его палитра сместилась в другую сторону, расширившись до включения желтых, красных, зеленых и синих цветов, что подтверждается такими работами, как "Е.О.В.", "С.А.В." и "Д.Ж.В. в саду I и II", 1963 и 1964 годов соответственно, и "Голова Гёрды Бём", 1965 года. Его поздние работы отмечены яркими тонами и более минималистическим подходом к нанесению краски; исчезли бурные накрученные узоры и трещины, уступив место тонким слоям пигмента, нанесенным энергичными, резкими мазками, что демонстрируется в таких произведениях, как "Голова Д.Я.М.", 1978 года; "Рут Бромберг сидя", 2004 года; и "Автопортрет", 2023 года. Аuerbach получил свою первую ретроспективу в 1978 году в Лондонской галерее Хейвард; в 1986 году он представлял Англию на Венецианской биеннале, разделив высшую награду события, Золотого льва, с Сигмаром Полке. Другие крупные выставки...Институциональные выставки включают в себя передвижную экспозицию, которая начиналась в Kunstverein Hamburg в 1986 году, и выставки в музее Ван Гога в Амстердаме в 1989 году; в Центре британского искусства Йельского университета в Нью-Хейвене в 1991 году; и в Национальной галерее Лондона в 1995 году. Tate Britain провела крупную ретроспективу его работ в 2016 году. «Что совершенно очевидно, так это чувство решимости: Ауэрбах сражается ради определенной цели, даже если она не может быть выражена словами», — написал Барри Швабски, рецензируя выставку для Artforum. «Когда картины относительно неуспешны, заметная ярость его борьбы все равно впечатляет; но в лучшие моменты работы передают с поразительной ясностью ощущение чего-то мимолетного, хотя и сильного по своему воздействию». В прошлом году художник стал объектом нескольких выставок, включая показ его ранних крупномасштабных рисованных углем работ в Лондонском институте Куртаулда, и выставку его картин о Лондоне в галерее Offer Waterman, открытой до 7 декабря. Хотя его часто описывали в гиперболических терминах — в 2015 году Times назвала его «нашим величайшим живущим художником» — Ауэрбах, в резком контрасте с его творчеством, оставался скромным. «Молодым нужно иметь амбиции, чтобы соответствовать им», — сказал он в интервью The Guardian. «С возрастом ужасная скромность начинает подкрадываться, и понимаешь, что времени становится меньше. Моя единственная амбиция — создать одно запоминающееся изображение. А затем, оттуда, я надеюсь создать еще одно запоминающееся изображение. И молиться Богу, чтобы сделать еще одно. Вот и всё», — заключил он. «Ничего больше».