Создание галереи Sardine в Хэмптоне: история, успех и секреты

Когда арт-директор Валентина Акерман и ее муж, художник Джо Брэдли, открыли галерею в изношенной аренде в Амагансетте прошлым летом, это было не с пятилетним планом или инвестиционным предложением в руках. Это началось скорее как импровизированный эксперимент, движимый импульсом, инстинктом и небольшой армией друзей-художников, готовых присоединиться.

Акерман назвала галерею Sardine, отчасти из-за её прибрежной ассоциации, отчасти потому, что ей нравилась идея, что её можно легко упаковать и переместить куда угодно - «как консервная банка сардин», как она сказала в интервью Vogue ранее в этом году. (Прошлой осенью galерея действительно упаковывалась и отправилась в Париж на поп-ап, который совпал с Art Basel Paris. Она также в настоящее время организует групповую выставку в летнем пространстве музея Le Consortium в Бургундии, Франция.)

Наши исследования показывают, что сцена искусства в Хэмптоне значительно сократилась до своего довирусного состояния.

Сейчас, когда проект продолжает развиваться, он стал чем-то вроде успешной истории Хэмптона. Летняя программа 2025 года включает серию фильмов, ювелирные и художественные резиденции, ужины с шеф-поварами Миной Стоун и Элайджа Тарлоу, а также четыре выставки, в которых художники работают в паре с скульпторами. Линейка стартовала в конце мая с выставкой художника Джулиана Кента и керамистки Изабель Ровер.

Следующей будет выставка автопортретов нидерландской художницы Йолин Кваакенбос, сопроводимая светящейся скульптурной мебелью от Стефана Уайта, которая состоится в конце июня. А 18 июля откроется выставка Тенки Хирамацу с его мечтательными холстами в зен-буддийском стиле, в контексте световых скульптур Нэйта Лоумана; финальная выставка запланирована на 9 августа, где будут представлены яркие импастовые картины Иды Экблад в паре с керамикой от Эрин и Сэма Фоллс и минималистской мебелью от бразильского дизайнера Пали Корнельсена.

Это амбициозная программа для места, которое все еще остается временным в доме 1700-х годов, где также живут Акерман и Брэдли. Граница между жилым помещением и выставочным пространством, между дизайном и изящным искусством, определенно размыта.

Как сказала Акерман в интервью ARTnews, цель не просто показать работы; это создать пространство, в котором людям будет интересно оставаться.

Мы поговорили с Акерман о создании экспериментальной галереи в Хэмптоне, о том, что заставляет художников соглашаться, и о том, какие выставки могут происходить только когда журнальный столик — это часть установки.

ARTnews: Когда вы впервые начали Sardine, было ли вам трудно убедить людей поддержать вас?

Акерман: Я думаю, если у меня есть один талант в жизни, это то, что я очень открытая и хорошая в общении. Я всегда удерживала людей вовлечёнными — тех, кого я знаю, и людей, которых я только что встретила. Думаю, они доверяли моему интересу к ним.

Даже к художникам, с которыми я не знала лично, например, Янице Новински, я обратилась напрямую, потому что видела её работы и они мне понравились. То же самое с Хади Фалапиши — я была в полном восторге от его керамики и скульптуры.

Я просто сказала: «Я не совсем знаю, что это ещё, но давайте покажем некоторые из этих картин». И люди соглашались.

Ваш муж — Джо — упомянут как соучредитель. Как вы разделили первоначальное видение?

Он не ожидал, что это станет тем, чем оно стало. Он думал, что мы просто позвоним нескольким людям, которые нам нравятся, и сделаем что-то небольшое. Но когда он увидел, что у меня на уме, он сказал: «О, хорошо.

[смеется] Я ответила: «Ты же знаешь меня?»

Некоторые ваши ранние выставки включали работы, которые размывают грань между искусством и дизайном — расписную мебель, керамику, вещи, которые не обязательно подходят под стандартный белый куб. Это всегда было в планах?

Да, полностью. Я не пришла из среды истории искусства — я изучала философию и архитектуру, и я из Южной Америки. Если ты выходишь в жизнь в 90-х годах в Южной Америке, все разговоры только о современности. И в Южной Америке линия между объектом и искусством действительно размыта — это о пространстве, как продолжении эстетической жизни.

Все играет свою роль. Меня всегда fascinировали объекты, которые художники делают для себя, для своих семей. Они такие нерегламентированные, полные духа художника. Это то, что я хотела показать.

Этот дух проявился в выставке Софи фон Хеллера в прошлом году, которая, как я слышала, была написана на месте?

Да! Я давно знаю Софи. Я была у неё дома, видела фрески, расписную мебель. Годы назад я пошутила: «Если я когда-нибудь открою галерею, я хочу устроить выставку твоих картин на мебели».

Когда пришло время, она и вся её семья пришли и жили у нас наверху шесть недель, пока она рисовала выставку. Никто не знал. Это было своего рода секретом.

Я хотела сохранить профессионализм, но да, этот кот уже выбрался из мешка. [смеется]

Итак, вы живете наверху, галерея внизу, и иногда приезжающие художники остаются с вами?

Да. Это немного необычно, но в этом и есть суть. СофиХадиТепло и люди задерживаются. Это не стерильное пространство. Это место, где вам хочется быть.

Есть ли стратегический аспект к этому месту, верно?

Определенно. У меня была связь с Амагансеттом в течение многих лет — это место, где Джо и я провели один из наших первых уикендов вместе, и мы владели домом здесь более десяти лет. Так что я знала, кто здесь.

Конечно, художники, но также и коллекционеры, куратора, консультанты. Люди, которых я встречала на вечеринках, людей, которых я знала социально.

Я думала: если я открою галерею здесь, летом, я соберу их всех. Намного больше, чем если бы я открыла то же самое пространство на Lower East Side в случайный вторник.

А сам дом? Как вы его нашли?

Моя подруга Джейн Уэннер — одна из самых вдохновляющих женщин, которых я знаю — мне подсказала. Она сказала: «Есть этот дом, он очень недорогой, они сдадут его тебе только на пару лет». Это было идеально. Не коммерческое, но работоспособное.

Мы живем наверху, показываем внизу. Мы арендовали его в мае, а к концу июня уже открылись. Это стало Галереей 13. Sardine стал более обширным брендом.

Вы упомянули, что Sardine должен был быть временным. Он останется в Амагансетте?

Мы здесь этим летом, но не знаю, как насчет следующего. С самого начала идея была в том, чтобы перемещаться — открываться в разных местах, заниматься специфическими проектами.

Вот почему его назвали Sardine. Вы можете взять его с собой. Это должно быть легким, портативным и игривым.

Было ли трудно управлять коммерческой стороной?

Конечно. Это не дешевый проект. Но я пытаюсь доказать, что есть другие способы это сделать. Что мы можем быть щедрыми и коллаборативными и при этом вести бизнес.

Например, когда я показывала Джулиана Кента, я работала с его галереей, Kerry Schuss, чтобы совместно организовать выставку. Kerry была защитной — Джулиан молод, очень талантлив — но я сказала: «Давайте сделаем это вместе». Это сделало его более комфортным, и выставка состоялась. Это о уважении и создании пространства.

Последний вопрос — были ли когда-нибудь другие имена, или это всегда было Sardine?

Я никому этого не говорила, но название галереи оказалось чем-то вроде названия наших детей. Мы не пробуем имена — мы просто ждем, и вдруг что-то приходит, что невозможно отрицать. Sardine было таким. Это казалось идеальным. Мы на пляже, так что это имеет смысл.

Но я также хотела что-то, что ощущалось бы маленьким, непринужденным и весёлым. И что-то, что можно было бы упаковать и донести с собой. Джо и я нарисовали логотип за ужином на кухонном столе одной ночью. Люди это любят. Это пришло из очень интимного места.