Глубокий взгляд Такэси Мураками на японское искусство и его влияние

Звезда искусства Такэси Мураками выглядит именно так, как на фотографиях: одновременно анимационный и созерцательный. Когда мы встретились, он был в поношенной джинсовой куртке с надетым под нее пуховиком и штанах цвета оливки, а на его лбу покоилась пара круглых очков, напоминающих нимб. Длинные волосы спадали на плечи, и, когда он говорил, он крепко зажмуривался и жестикал руками — указывая, щипая, сжимая воздух, как будто лепил свои слова.

В начале этого месяца Мураками открыл свою последнюю выставку в Gagosian New York, intitulée «JAPONISME → Cognitive Revolution: Learning from Hiroshige». Она продолжает его исследования исторической репликации как метода понимания культурного наследия и будет частью более крупной презентации в Brooklyn Museum в 2024 году. В этом месяце также откроется вторая выставка «Stepping on the Tail of a Rainbow» в Cleveland Museum of Art. Эта выставка, в свою очередь, возникла из другой в The Broad в Лос-Анджелесе в 2022 году, но с тех пор расширилась и теперь включает новые работы и монументальную установку, переосмысляющую японский буддийский храм.

На обеих выставках Мураками превращает акт копирования в нечто вроде современного картографирования, где прошлое не просто чтимо, но изгибается и искажается, вторгаясь вместе с крошечными летающими НЛО. И, как оказывается, именно так выглядит рост для Мураками: часть раскопок, часть мутации и всегда — осознание длинной тени истории искусства.

ARTnews поговорил с Мураками перед открытием в Gagosian, чтобы обсудить его процесс и путь к Нью-Йорку в качестве молодого художника.

ARTNews: Вы говорили, что выставка в Brooklyn Museum началась без четкого плана — это больше походило на создание чего-то привлекательного за короткое время. Когда это стало чем-то более глубоким?

Такэси Мураками: Сначала я думал об этом как о обоях, чем-то визуальном, декоративном. Но я избегал ukiyo-e [жанр традиционного японского искусства, известного своими ксилографиями] на протяжении большей части своей карьеры, и это стало для меня шансом преодолеть это. Я начал копировать 100 знаменитых видов Эдо у Хиросигэ, просто чтобы узнать, что из этого выйдет. Но затем я заметил: если углубиться в эти принты, то начинаешь прикасаться к корням абстракционизма, даже соврем painting.

Вот тогда я начал изучать импрессионизм тоже. Шоу в Gagosian - это результаты этого процесса.

Как выглядел этот процесс день за днем? Он всегда начинается немного небрежно. Я думаю: «Может быть, я попробую это». Но чем больше холст, тем больше нужно знать. Нельзя просто полагаться на низкокачественные изображения или книги. Нужно посещать музеи. Говорить с кураторами. Получать высококачественные фото. И вот, когда ты это делаешь, начинают раскрываться неожиданные вещи. Это момент, когда ты погружаешься глубже.

В конце концов, исследование и живопись начинают подпитывать друг друга.

Что вас больше всего удивило во время работы над серией Хиросигэ? Контекст. Хиросигэ создал 100 знаменитых видов Эдо сразу после сильного землетрясения, когда город восстанавливался. Людям нужна была надежда. Эти изображения были не просто живописными — они помогали людям исцеляться. Я этого не осознавал, и это заставило меня думать о своей серии 500 Архатов после землетрясения в Японии в 2011 году. Внезапно эта старая работа стала для меня очень современной. Вот тогда проект получил новое значение.

Выставка в Gagosian также включает работы, основанные на французских художниках, на которых повлияло японское искусство. Почему вы решили пойти в этом направлении?

Я хотел проследить путь Japonisme до его логического завершения. Что происходит, когда западные художники копируют японские принты — и затем японский художник копирует их копии? Поэтому я посмотрел на Моне, [Джеймса МакНила] Уистлера, Ван Гога. В подходе Моне есть что-то очень скромное в том, как он пытался впитать это влияние. Я был удивлен, насколько искренним это казалось. Я чувствовал восхищение в его мазках. Поэтому я скопировал эти работы по-своему — иногда очень близко, иногда с добавлениями, скажем, НЛО.

Да. НЛО — это своего рода символ. Не шутка, а осознание. Они обозначают момент осознания, момент замечания чего-то, что было скрыто на виду. Для меня это способ сказать: «Смотрим еще раз».

Как это связано с выставкой в Cleveland? Эта выставка изначально пришла из коллекции The Broad. Это была довольно ограниченная выставка — в основном работы, которые они уже имели, плюс несколько недавних вещей, которые я сделал во время пандемии. Я не был глубоко вовлечен в концепцию в то время. Но когда я посетил Cleveland Museum и увидел, насколько огромно пространство, я понял, что мы должны сделать что-то большее. Так я расширил ее в своего рода мини-ретроспективу, привнеся работы из всей моей карьеры.

Поскольку их атриум такой большой — масштаба собора — я спросил Хелен Джарвис, продюсера сериала Shōgun на [FX], сможет ли она помочь построить структуру, которая могла бы вместить некоторые картины. Она согласилась. Теперь в музее есть храм. Настоящий храм, построенный специально для размещения работы. Выставка внутри выставки.

Вы также недавно выбросили первый мяч на игре Dodgers. Как это произошло и как все прошло?

Это было очень стрессово! Я не спортсмен, поэтому мне пришлось много тренироваться, чтобы убедиться, что мяч не отскочит. В первый раз, когда я сделал это в Токио, мяч упал на землю перед площадкой, и газеты шутили об этом. Поэтому в этот раз я практиковался каждый день. Без изюминок, без трюков — только один чистый бросок. Когда он приземлился в руке ловца, не отскакивая, я так обрадовался. Это было странное выступление искусства, может быть, — но также очень весело.

Вы написали в Инстаграме, что Ларри Гагозян оценил эти работы. Как это было?

Это было эмоционально — глубоко. Когда я устанавливал выставку в Gagosian, Ларри пришел, чтобы проверить прогресс. Я знаю его почти двадцать лет. Мой английский все еще плох, и нам часто нужен переводчик, но я всегда ощущаю вес его реакции. На этот раз он выделил произведения Сезанна и Ван Гога — те, где есть НЛО — и сказал, что они ему очень нравятся. Я опубликовал сообщение после этого. Я поблагодарил его за его непрерывную жизнеспособность, за то, что он приходит с энергией и открытостью, даже в 80 лет. Он не просто галерист. Он — живой символ мира искусства Нью-Йорка. Его связь с этими картинами — моими картинами, созданными в течение этого длинного, кругового процесса влияния и возвращения — имела для меня невероятное значение. Я назвал выставку «моей жизненной работой перед тем, как я умру». Это было не просто выступление. Это кажется правдой.

Вы ранее говорили, что когда впервые приехали в Нью-Йорк в качестве молодого художника, вы чувствовали себя «щупающим в темноте». Что вы имели в виду?

Когда я приехал в возрасте 25 лет, я думал, что современное искусство начинается с Дюшана — с идеи, что не выражение ничегонежное выражение. Затем была Уорхол, минимализм, концептуализм. Все это казалось совершенно отдельным от японской культуры. От моей культуры. Я не видел пути вперед. Не знал, с чего начать. Это ощущалось как попытка изобрести новый язык в комнате, где никто не слушал. Но благодаря этим выставкам я начал осознавать, что Japonisme уже был частью начала. Японское влияние помогло сформировать современную живопись. Возможно, я не был вне истории — просто не видел, как нить соединяется. Теперь я прослеживаю ее назад. Переписывая, перекраивая. Вот что эти выставки: моя попытка шупать к ясности и создавать что-то честное, с тем, что я нахожу на своем пути.

«JAPONISME → Cognitive Revolution: Learning from Hiroshige» будет выставляться в Gagosian New York до 11 июля. «Stepping on the Tail of a Rainbow» откроется в Cleveland Museum of Art 25 мая и продлится до 7 сентября.