Люси Дакус: Как искусство вдохновляет её музыку

Заметка редактора: Эта история является частью Newsmakers, новой серии ARTnews, в которой мы интервьюируем тех, кто вносит изменения в мир искусства. Недавний альбом Forever Is A Feeling певицы и автора песен Люси Дакус был широко ожидаем её поклонниками, но у любителей искусства есть веские причины для радости тоже.

Обложка альбома изображает портрет Дакус, написанный художником Уиллом Сент-Джоном в стиле Ренессанса. На картине 29-летняя певица одета в драпированный кремовый наряд, который срывается с её плеч, когда она благоговейно смотрит вниз на фальшивую татуировку с названием альбома на своей груди.

В альбоме, состоящем из 13 песен, также много отсылок к искусству, наиболее очевидной из которых является песня “Modigliani”, в которой Дакус поет о том, как скучает по своей подруге Фиби Бриджерс, с которой она выступала в группе Boygenius. Третий участник группы, Джулиен Бейкер, был недавно раскрыт как романтический партнер Дакус. В одной из строк “Modigliani”, которая была во многом вдохновлена посещениями Фонда Барнса в Филадельфии, напрямую упоминается итальянский художник и женщины с миндалевидными глазами, которых он изображал. “Melancholy Modigliani got me long in the face”, — поет она, ссылаясь на вытянутые пропорции его моделей.

Перед выходом альбома, Дакус подчеркнула эти отсылки к искусству выступлениями в таких учреждениях, как Легион Чести в Сан-Франциско и Церковь Сен-Эусташ в Париже. На прошлой неделе ARTnews встретилась с Дакус в Фонде Барнса, чтобы обсудить её художественные влияния, увлечение музеями и стремление избегать иронии. Интервью было отредактировано и сокращено для ясности и краткости.

ARTnews: Как начался ваш интерес к искусству? Люси Дакус: Мой папа — графический дизайнер. Он учился в художественной школе в Миссисипи, где в его выпускном классе было всего трое человек. Он изучал графический дизайн до появления компьютеров, и ему приходилось заказывать такие вещи, как шрифты и коробки. Когда я была маленькой, мы делали с ним рисунки вместе. У него очень тактильное понимание искусства и дизайна, и, думаю, я унаследовала это от него. Художественные программы в школе и бесплатные музеи также сыграли свою роль. Я росла, посещая Виргинский музей изящных искусств и множество музеев в Вашингтоне. Искусство всегда казалось мне доступным, и я не осознавала, что это не всегда так. Даже что-то настолько простое, как обучение в школах, где были доступны художественные материалы, имело огромное значение, потому что я не могла купить много красок, холст, мольберт и кисти в детстве. Это требует много средств. Я очень благодарна за публичное образование и взрослых, которые сделали искусство частью моей ранней жизни.

Как Фонд Барнса и его произведения искусства повлияли на вашу музыкальную практику? Музеи идеально подходят для того, чтобы я могла писать. Обычно я пишу в своей голове, чаще всего во время прогулок, и мне нравится просто гулять по музею. Не нужно уделять каждой картине целых пять минут, но когда что-то привлекает ваше внимание, вы учитесь чему-то о своем уме и вкусах. Мне нравится, что Барнс устроен как дом и что вкус его основателя Альберта Барнса так хорошо сохраняется. В отличие от большинства музеев, мне нравится, что везде нет информационных табличек — это действительно связано только с искусством.

Иногда контекст может казаться обременительным, и если произведение должно было говорить само за себя без объяснений, мне нравится иметь такую возможность. Мне также нравится, как все перемешано [в салонном стиле] — это позволяет вам устанавливать связи между объектами, которые вы могли бы не заметить, если бы смотрели каждую работу по отдельности. Связи между вещами всегда являются плодородной почвой для новых идей. Конкретно, песня, которую я написала в Барнсе для своего альбома, была “Modigliani”, потому что здесь так много картин Модильяни. Они на самом деле действительно пугали меня, потому что они довольно страшные. Они такие плоские, вытянутые и резкие. В коллекции Барнса такое интимное пространство, что это чувство также присутствует в вашей музыке, особенно в вашем исполнении и написании.

Я думаю, что это ощущение также распространяется на обложку альбома. Можете рассказать о процессе более явно встраивания искусства? Я поняла, что альбом в основном состоит из любовных песен. Я действительно хотела избежать иронии, что довольно сложно, поскольку много искусства иронично или отсылает к чему-то. Иногда интересно сделать отсылку к чему-то, но я хотела сделать что-то, что я на самом деле не видела и что будет освежающим или вне трендов с этим очень высококачественным портретом меня. Это первый раз, когда я нахожусь в центре обложки альбома. Я сделала это, чтобы проверить свои limits, и, честно говоря, мне всё еще не очень удобно с этим. Но Уиллу удалось сделать действительно красивую работу, и это стало для меня путеводной темой через всё.

Например, в музыкальном видео к “Ankles” я вышла из картины и вернулась в неё в Париже, и это было снято на плёнку. Это потребовало много усилий, как и сама картина. Завтра мы начинаем тур в Филадельфии, и для всех визуалов мы наняли художников, чтобы нарисовать некоторые декорации. Большая часть сделана вручную, даже если в конечном итоге все это будет на LED-экран. Большинство людей также увидят картину Уилла через экран. Но мне просто приятно знать, что мы наняли людей, чтобы создать искусство. Мне нравится иметь возможность нанимать художников, и мне действительно не нравится AI.

Что касается обложки альбома, вы говорили о том, что вам было неудобно находиться в центре. На ваших других альбомах вы не находитесь в центре, если вас вообще не видно. Быть на переднем плане — это так уязвимо и непосредственно. Расскажите о вашем опыте сотрудничества с художником Уиллом Сент-Джоном. Он написал картину группы Satine и другую о модели Хари Нефф, которые я считала красивыми. Так что я сохранила его информацию, думая: “Может быть, однажды.” Я продолжала поднимать этот вопрос, может быть, обложка альбома будет именно в таком стиле. Затем мой лейбл спросил, не хочу ли я связаться с ним. Я не знала, что это возможно. Мы встретились, поговорили, посетили студию, а затем мы провели съёмку, где один из моих татуировщиков Николь Жаклин Смит написала Forever is a Feeling на моей груди подводкой для глаз. Она сделала трафарет, как при обычной татуировке, а затем прошла с маленькой кисточкой для подводки. Это выглядит очень убедительно. Это немного забавно, что фраза “Forever is a Feeling” является временной татуировкой, которую в конечном итоге можно стереть. У меня много друзей, которые занимаются татуировкой, и они говорят, что это самая временная форма искусства. Большинство другого искусства будет жить дольше. Но с татуировками нет сохранения. Люди всегда задаются вопросом, как можно решиться на татуировки, как: “Как вы можете к этому привязаться?” Все татуировки временные.

Как изменилось ваше восприятие с момента выхода “Modigliani”? Это было одной из первых отсылок к искусству, которые я сделала при создании альбома, потому что вы пишете песни перед тем, как создавать какую-либо визуальную составляющую. Вместе с вдохновением к этой песне, нахождение в музее заставило меня почувствовать, что вы начинаете по-новому обращать внимание на свои мысли.

Как часть вашего концертного тура, вы выступаете в ряде нестандартных мест, таких как музеи и церкви. Что это значит для вас? У меня была идея: “Что если я сделаю выступления в музеях, потому что люди привыкли вести себя тихо и вдумчиво?” В итоге я пошла в этот тур перед выходом альбома по четырем местам в США и четырем в Европе. Более половины из них были музеями, и людям было трудно прекратить социальные нормы тишины. Это было здорово. Вот это и было целью. Обычно на моих концертах люди поют очень громко, и это более шумно, но было приятно сыграть новую музыку, которой еще не было, для публики, которая действительно обращала внимание. Это очень специфическое состояние ума, когда вы находитесь в музеях — более благоговейное и открытое. Это изменяет ваше восприятие происходящего тоже.

Это было по-другому. Многие из этих церквей на сегодняшний день представляют собой фактически музеи. Одно из мест, где мы играли в Париже, было Eglise Saint-Eustache. Это заставило меня почувствовать себя такой маленькой на фоне истории. Это прекрасно — получать такое ощущение в любой церкви или музее, когда я думаю: “Вау, я ничто. Моя жизнь — это миг.” И это очень смиряющее. Это также напомнило мне первые дни музыки, когда я выступала на домашних концертах и до записи, когда смысл игры просто сводился к тому, чтобы поделиться с другими людьми или сделать это предлогом для встреч. Это было приятно играть для небольших аудиторий и не ждать, что люди будут собираться вокруг своих любимых частей. Это напомнило мне о том, как я начала играть музыку больше, чем что-либо еще с тех пор.

Я видела некоторые ваши видео и фотографии в музеях в социальных сетях. Есть ли у вас любимые произведения искусства или моменты? Boygenius сами сняли клип на iPhone. Одно из мест, где мы снимали, было Getty Villa в Малибу, который является действительно веселым и забавным местом. Это весьма забавно, потому что он построен, чтобы напоминать стиль гораздо позже, чем он был создан. Но было весело бродить там. Искусство не должно быть скучным. Мне всегда нравится посещать музеи и видеть школьные группы, где дети, независимо от того, что им говорят, — не имеет значения, когда или почему это было сделано — они такие искренние: “Мне это нравится” или “Мне это не нравится.” Это очень чисто.

Есть ли что-либо, о чем мы не упомянули и что вы хотели бы обсудить? Возможно, это место, чтобы сказать, что все музеи, хранящие украденное искусство, должны вернуть его в места, откуда оно было украдено, или по крайней мере провести переговоры о покупке или займе с оригинальными местами, откуда они происходят. Мне нравятся музеи, но у многих из них есть некрасивые стороны их бизнеса. Я должна изучить это больше, но я узнала достаточно, чтобы знать, что это должно стать темой для арт-сообщества.