Смерть Макса Козлоффа – легендарного критика и художника

Иконокластичный критик, искусствовед и фотограф Макс Козлофф, который в 1970-х годах работал исполняющим редактором Artforum, прежде чем заняться собственной художественной практикой, скончался 6 апреля. Ему было девяносто один год. Его жена, известная художница в стиле Pattern and DecorationДжойс Козлофф, объявила о его смерти в посте в Instagram, сообщив, что он страдал от болезни Паркинсона более десяти лет. В 1960-х и 1970-х годах Козлофф привнес новые идеи в такие устоявшиеся формы, как футуризм и кубизм, утверждая, что художники подвергаются влиянию таких внешних факторов, как социальные струи и политика. Его эссе 1973 года «Американская живопись во время холодной войны» изменило нарратив вокруг абстрактного экспрессионизма и до сих пор считается обязательным для чтения.

Статья Козлоффа разбила евроцентричное представление о формалистских нововведениях, поддерживаемых Алфредом Х. Барром, первым директором Музея современного искусства в Нью-Йорке. «Когда я читал его интерпретацию этой истории в терминах последовательных движений и конкретных блоков выдающихся личностей и стилистических формальных анализов, у меня постоянно возникало ощущение, что что-то очень серьезное было упущено», — сказал Козлофф Аннет Ледди в интервью 2014 года для Архивов американского искусстваСмитсоновского института. «Я постоянно чувствовал себя, как будто меня оставили на холоде и я упускаю некоторые вещи, которые я ощущал при взгляде на современное искусство.

Макс Козлофф родился самым младшим из четырех сыновей в Чикаго в 1933 году, в семье с восточноевропейскими корнями. Его отец, украинский иммигрант, владел кожевенной фабрикой и часто брал сына в Художественный институт Чикаго, который, как сказал Козлофф Кристоферу Лиону в 2023 году, «стал своего рода священным местом, убежищем вдохновения, культурным пространством, которое выделялось для меня». Молодого Козлоффа особенно привлекали работы Эдварда Хоппера, Гранта Вуда и Жоржа Сёра, а также впечатляющая кавалерийская статуя итальянского солдата работы Андреа дель Верроккьо, встречающая посетителей музея. Фильм 1945 года «Картина Дориана Грея», основанный на одноименном рассказе Оскара Уайльда, также оказал на него глубокое влияние. «Целью было показать, что портрет имеет свой собственный анимус, так как он может раскрыть то, что скрыто за эгоистичными выражениями», — говорил он Лиону. «Это меня взволновало».

Козлофф поступил в Чикагский университет в шестнадцать лет. Выпустившись в 1953 году, он служил в армии США с 1954 по 1956 год, а затем вернулся в альма-матер для получения степени магистра, которую он получил в 1958 году. В следующем году он поступил в программу докторантуры в Институте изящных искусствНью-Йоркского университета, а в 1961 году начал работать как искусствовед для The Nation, для которой он писал статьи до 1968 года. «Я очень одобрял критический дух, который воплощала The Nation, как довольно одинокий радикальный журнал в это время реакции, патриотизма, джингоизма и войны», — говорил он Ледди.

В 1964 году, уже начиная вносить свою критику в Art International, он полностью прекратил обучение на уровне доктарантуры и принял предложение о работе в качестве помощника редактора в Artforum. Являясь остроумным и образованным писателем с здоровым пренебрежением к канону, он поднялся до уровня редактора-участника в 1967 году, а в 1975 году стал исполняющим редактором, на этом посту он находился до 1977 года. Во время работы в Artforum он написал два своих самых известных эссе: упоминавшееся «Американская живопись во время холодной войны» и «Авторитарная личность в современном искусстве» (1974), в котором утверждалось, что аудитория «склонна принимать без колебаний литературу самоутверждения, предоставленную нам их авторами», и тем самым не в состоянии действительно понять ни их, ни их искусство. «Самый бледный и респектабельный след идей о современном искусстве был извлечен из страстного высказывания современника», — написал он. «Удивительно видеть, с какой бескровной легкостью мы преобразили их страсть к абсолютному в праведное подрывание или exalted humanism.

Одной из главных целей Козлоффа во время работы в Artforum было превратить его в антикорпоративный журнал, что было предпринято им вместе с Джоном Коплансом, главным редактором с 1972 по 1977 год. «Мы политически согласились с критической позицией против большинства практик в мире искусства», — говорил Козлофф Ледди. «Например, прежде всего, растрату поддержки, которую реклама давала выделению художников, которых представляли галереи. Мы хотели это ограничить. Мы также хотели уменьшить любимчиков, когда авторы писали о своих друзьях или союзниках». Эта позиция не понравилась издателю журнала, и после того как контракт Копланса не был продлен, Козлофф покинул Artforum.

Недавно начав заниматься фотографией — еще в те времена, когда она не считалась изобразительным искусством — он продолжал писать об этом medium и широко выставлял свои собственные фотографии в последующие годы, работая исключительно в цвете. «То, что вызвало мою смену фокуса на фотографию в 70-х, было, в элементарном смысле, эмоциональной реакцией на пиктографический язык в фотографии из-за ее достоверности, ее решительности в кадрировании и ее повсеместности как средства коммуникации новостей», — сказал он Лиону. Козлофф также создавал и выставлял абстрактные картины, вдохновленные такими героями, как Пьер Боннар и Филипп Густон. В последние годы, с его глубокой потерей слуха, мазки кисти на его холстах приобрели то, что Козлофф описал как музыкальное качество.

Козлофф был автором множества произведений, среди которых монографии о Джаспре Джонсе, Йоганне Вермеере и Леоне Левинштейне; Кубизм/Футуризм (1973); Фотография и очарование: эссе (1979); Привилегированный глаз (1987); и Культивированные тупики: эссе о закате авангардизма, 1964–1975 (2000). Параллельно со своей работой в качестве писателя, редактора, художника и фотографа, Козлофф начал преподавать на уровне колледжа с 1958 года в Центре Чикагского университета, затем в Купер Юнион в 1959 году, после чего преподавал в учреждениях по всему США, включая CalArts, Йель и Калифорнийский университет в Лос-Анджелесе. С 1989 по 2000 годы он преподавал в программе магистратуры по фотографии в Школе визуального искусства, которую он помог основать.

«Есть ли у активного критика срок годности? Есть ли предел тому, сколько можно авторитетно писать о искусстве своего времени? Существует предел, который можно рассматривать как временной. То есть, количество времени, которое идиома требует для достижения своего апогея или своего пика внимания и одобрения, прежде чем она станет чем-то слепым и нематериальным, неактуальным и устаревшим», — говорил он Лиону в 2023 году. «Разные виды искусства имеют разные жизненные циклы в соответствии с этими критериями. И потом ты обнаруживаешь гораздо более богато в фотографии, чем в искусстве, что есть достоинства и добродетели, незамеченные карьеры, о которых никто не знает или не слышал. Таким образом, для меня возможности открытия стали стимулом искать вокруг, узнавать вещи для себя», — подытожил он. «Мне это нравилось.»