Умерла Джо Бэр, минималистская художница с уникальным стилем

Джо Бэр, новатор-певица, которая получила признание как минималист в 1960-х годах, прежде чем отклониться от этого движения, умерла во вторник в возрасте 95 лет. Ее смерть была объявлена галереей Pace, которая не уточнила причину.

На протяжении более шести десятилетий своей работы Бэр находила инновационные и сложные способы исследования того, как глаз воспринимает изображение. Хотя многих художников ее поколения привлекали подобные темы, ее искусство многократно оказывалось трудно классифицируемым, не подчиняясь никакому единственному движению или тенденции.

В начале своей карьеры, в 1960-е, ее сдержанные картины казались схожими с работами таких мастеров, как Дэн Флавин и Сол Левитт, ведущие скульпторы минималистского движения. Однако Бэр во многом отличалась: она была художницей, а не скульптором, и была женщиной среди группы, состоящей преимущественно из мужчин. Тем не менее, когда критики пытались разобраться в ее искусстве, ее называли минималистом и часто обсуждали наряду с этими фигурами.

Затем, в 1970-х годах она нарушила табу арт-мира, перейдя от абстракции к фигурации. Пошли слухи, что она уничтожила свои минималистские картины, когда официально отстранилась от движения. В письме 1983 года в Art in America она официально заявила, что не является абстрактным художником и сказала, что никто больше не может внести вклад в этот художественный режим. "Современное авангардное искусство умерло в седьмом десятилетии 20-го века," - написала Бэр. Ее нежелание подчиняться, возможно, было причиной того, что она вдохновила художников, появившихся после нее.

Доказательства ее молодости и духа появились на Биеннале в Уитни в 2017 году, где ее картины выглядели как дальние родственники других фигураций на выставке. Она была самым старшим участником этого выставки спустя многие десятилетия.

Хотя фигуративные картины Бэр начали получать должное внимание после долгих лет, когда их игнорировали, ее минималистские картины также в последние годы стали широко известны. Однако, когда она дебютировала с этими картинами, они вызвали поляризацию мнений критиков. Ее самые знаменитые картины 1960-х — это квадратные холсты, которые Бэр в основном покрывала белым цветом, с темной черной частью и тонкой полосой яркого цвета — горячего розового, кислотно-зеленого, ярко-оранжевого. "Я понимала эту пустую, белую область как свет... а края — как границы," - сказала она однажды.

Тем не менее, не все понимали, что она делает. В интервью 1995 года она вспомнила: "Я помню, как Сол Левитт сказал мне: 'Почему ты используешь кусок цвета там?' Мне пришлось сказать ему, что я художник, а это — то, о чем и идет речь в живописи." Она продолжала сводить живопись к ее основам, иногда также подрывая традиционные способы презентации. Бэр иногда вешала свои картины ниже уровня глаз или показывала их близко друг к другу, как бы подчеркивая пространство галереи вокруг ее искусства — общее для минимализма.

В начале 1970-х годов Бэр довела этот стиль до предела с небольшой группой полотен, на создание которых у нее ушло годы. Носившие названия, отсылающие к орхидеям, которые сама Бэр разводила, эти картины в основном были белыми, хотя они содержали тонкие треугольники цвета по краям. Ее холсты также имели необычные пропорции, иногда с усеченной шириной, но длинными телами, или драматически вертикальными. Бэр вывешивала некоторые всего на дюйм от земли. Способ представления и почти все остальное в минимализме Бэр ставило критиков в затруднительное положение. "Картины Бэр не должны быть такими трудными для восприятия, как это, очевидно, есть," — написала Луи Липпард в положительном отзыве для ARTnews в 1972 году. Годы спустя, когда подобные работы были обследованы Фондом искусства Ди, эти картины продолжали ставить критиков в тупик. В 2003 году Роберта Смит назвала эти картины «некоторыми из самых жестких, неявно конфронтационных монохромных в истории искусства».

Джо Бэр, в девичестве Джозефин Гейл Кляйнберг, родилась в 1929 году в Сиэтле. Ее мать — профессиональная художница, которую Бэр однажды назвала "очень талантливой, но глупой" — подтолкнула свою дочь попробовать свои силы в искусстве до того, как та достигла подросткового возраста, но Бэр никогда не чувствовала себя вынужденной заниматься этим. Вместо этого она училась в Университете Вашингтона, где изучала биологию. В 1949 году она провела шесть месяцев на киббуце в Израиле, а затем в 1950 году переехала в Нью-Йорк, чтобы поступить в Новую школу социальных исследований, где изучала перцептивную психологию и философию. Она вспомнила планы продолжить свои дипломные исследования, стремясь поступить в программу докторантуры. Но когда она пришла на собеседование в Йельский университет, увидела рисунок Матисса, начала плакать и поняла, что ее жизнь требует другого направления.

В 1953 году она вышла замуж за Ричарда Бэра, сценариста телевидения, с которым у нее родился сын, Джош Бэр, и от которого она развелась позже в этом десятилетии. С 1960 по 1970 годы она была замужем за художником Джоном Уэсли. Бэр начала рисовать в абстрактно-экспрессионистском стиле. В то же время она стала сближаться с арт-кругом и заводить дружбу с такими фигурами, как арт-дилер Ричард Беллами. К 1960 году она приняла решение заняться живописью в стиле Hard-Edge. Ее восхождение произошло быстро: к концу 1960-х она уже выставлялась в галереях Fischbach и Dwan, а ее работы были представлены на Documenta и Уитни Аннуальное (предшественник нынешней Уитни Биеннале). В 1975 году в Уитни состоялась выставка ее искусства. Однако, вместо того чтобы оставаться на том месте, где она была наиболее известна, Бэр покинула Нью-Йорк и переехала в Ирландию, объяснив это недовольством художественными тенденциями того времени. "Давление такого места, как Нью-Йорк, очень сильно," — сказала она в интервью журналу Bomb. "Мне не очень нравилось направление, в котором я видела живопись, когда жила там. Оно шло в свое тупое направление, где чем тупее была твоя работа, тем лучше."

В Ирландии Бэр начала следовать тому, что она назовет "радикальной фигурацией", стилю, который сильно полагался на частичные изображения. Она заявила, что большинство художников в то время слишком сосредотачивались на изображении одного объекта в пространстве. В отличие от этого, она хотела соединять людей, места и вещи. "Я выбираю вещи и структурирую их, чтобы получить новые значения," — объяснила она. В 1984 году, в год после того, как она написала свое письмо в Art in America, Бэр снова переехала, на этот раз в Амстердам, где оставалась на протяжении всей своей карьеры. Ее необычная траектория и то, что она находилась за пределами США, могло способствовать ее относительной неузнаваемости в Нью-Йорке. Многие из ее наиболее значительных музейных выставок в последние несколько десятилетий проходили в Европе, в таких местах, как Музей Стеделейк, который устроил ретроспективу ее творчества в 1999 году. Она оставалась верной своему стремлению к изменению собственного стиля. "Я восхищаюсь оригинальностью и 'истинностью'," — сказала она в 2020 году в интервью Artnet News. "Я не люблю штампованные, изношенные работы (абстрактные и прочие)."